Las casas de subastas y el arte de vender al mejor postor

En el mercado del arte y de los bienes materiales de alto valor económico, artístico y cultural intervienen las casas de subastas, empresas que se dedican a vender bienes a quienes ofrezcan una mayor remuneración por estos. 

Las casas de subastas funcionan como un intermediario que establece el contacto entre los compradores y los vendedores. Conforme la subasta u oferta del bien se lleva a cabo, los compradores van elevando los precios, como una especie de competencia para ver quién ofrece mayor cantidad. Todo a partir de un precio inicial de salida establecido por un experto que se encarga de determinar el valor del bien. El comprador que ofrezca una mayor cantidad es quien resultará vencedor, adquiriendo el bien en propiedad. 

Mientras que algunas casas de subastas se dedican a la venta de bienes de un solo sector, otras comprenden distintos sectores, que a su vez cuentan con departamentos especializados para cada tipo de bien. 

Subasta. Tomada de Tenor.
Christie’s y otras casas de subastas importantes

En la actualidad, las empresas de subastas con mayor prestigio y trayectoria en el mundo son Christie’s y Sotheby’s, nacidas en el siglo XVIII en Londres. Sin embargo, existen otras más de renombre como Bonhams, Phillips de Pury & Company y Dorotheum, las dos primeras también fundadas en Londres y la última en Viena. 

Estas grandes casas de subastas instauran las reglas del mercado del arte y de los bienes antiguos y contemporáneos, llegando a establecer precios millonarios por la venta de los bienes, que se estiman en dólares, libras esterlinas y euros; incentivando a las personas más ricas y apasionadas por el arte a las competiciones para adquirir alguno o algunos de estos bienes. 

Fachada de la casa de subastas Sotheby’s, en Londres. Tomada de Antiques Trade gazzette.

Aunque se considera a Sotheby’s fundada en 1744 como la casa líder de las subastas, Christie’s es quizá, la más famosa de todas, con 450 subastas anuales, 80 categorías y 57 sedes en 32 países. Joyería, arte y antigüedades, vidrio y cerámica europea, arte americano, mapas, libros y pinturas antiguas son algunos de los departamentos con los que cuenta Christie’s.

Las subastas más exorbitantes de la historia

En general, en todas estas grandes casas de subastas se movilizan cifras estratosféricas de dinero, donde clientes millonarios no escatiman en la puja para adquirir obras de arte atemporales. Como en el caso de la pintura El grito de Edvard Munch, subastada por Sotheby’s en 120 millones de dólares (mdd). 

Subasta en Sotheby’s de la obra “El grito” de Edvard Munch. Tomada de Alto nivel.

En 2014 Sotheby’s realizó una impresionante subasta, donde el arte de Modigliani, Giacometti, Monet y Van Gogh fueron los protagonistas. En aquella ocasión logró venderse la escultura Chariot de Alberto Giacometti, en 101 mdd, mientras que Tete, la obra de Amedeo Modigliani se subastó en 70.7 mdd. 

A pesar de lo impresionantes que resultan estas cantidades, no han sido las mayores ofertadas en una puja. La obra de Leonardo Da Vinci denominada Salvator Mundi, realizada hace 500 años y considerada como el redescubrimiento de arte más importante del siglo XXI fue subastada en 2017 por Christie’s en 450.3 mdd, convirtiéndose así en la obra de arte más cara vendida en una subasta. 

Asimismo, el cuadro de arte pop Shot Sage Blue Marilyn de la icónica actriz de cine Marilyn Monroe realizado por Andy Warhol, se considera como la obra de arte del siglo XX mejor cotizada, al ser subastada por la casa Christie’s de Nueva York en 195 mdd. Un récord registrado en el ámbito de las subastas donde el cuadro fue presentado como “una de las imágenes más raras y trascendentes que existen”. 

“Shot Sage Blue Marilyn” de Warhol es la obra de arte más cara del siglo XX. Tomada de Sopitas.com
El carísimo arte de Picasso

Al grupo de artistas con las obras mejor valoradas se unió en 2015 Pablo Picasso, cuya obra Las mujeres de Argel –inspirada en Women of Algiers in their Apartment, de Eugene Delacroix–, fue subastada en 179.3 mdd. En aquel entonces, la venta de la obra de Picasso fue catalogada por Thierry Ehrmann, presidente de Artprice, como “la subasta del siglo”.

Si bien, la venta de bienes mediante las grandes casas de subasta se considera como una tradición, también representa una actividad exclusiva, donde los compradores se interesan por un bien preciado, ya sea por sus características estéticas o como objeto de colección. Algo a lo que todos podemos aspirar pero pocos pueden pagar.

Subasta en Christie’s de la obra Las mujeres de Argel de Pablo Picasso. Tomada de ABC.

Por: Verónica González.

¿Un análisis psicológico de Frida Kahlo?

 “Yo sufrí dos accidentes graves en mi vida, uno en el que un autobús me tumbó al suelo… El otro accidente es Diego.” -Frida Kahlo

Desde hace algunos años, en México se ha extendido la llamada “fridomanía”, se trata del fanatismo por la pintora Frida Kahlo. Su arte ha ido más allá de los museos y encontramos sus obras hasta en souvenirs como tazas, playeras, cuadernos, bolígrafos, etc.

Algunos opinan que es una artista sobrevalorada o que su obra no es lo suficientemente revolucionaria, mientras otros creen que fue de las mejores pintoras, disfrutan de sus obras y tienen pósters suyos en las paredes de sus cuartos.

Más allá de las críticas a sus pinturas, lo cierto es que en ellas dejó plasmada parte de su vida interior, un reflejo de su alma, su personalidad, vivencias y sentimientos.

La personalidad de Frida Kahlo

Muchas de sus obras muestran el dolor que padeció —tanto físico como emocional— a lo largo de su vida, y es por eso que no solo los críticos de arte se han interesado en analizar su obra, sino también algunos psicólogos. Uno de ellos fue el profesor de la Facultad de Psicología (UNAM) José de Jesús González Núñez, quien asegura que para comprender la personalidad de la pintora hay que entender su herencia, desarrollo y el medio ambiente en el que se desenvolvió.

  • Herencia: una parte de nuestra personalidad se ve impactada por aspectos físicos y biológicos que hemos heredado de nuestros familiares. En el caso de Kahlo, sufrió poliomielitis a los 7 años, este es un hecho que pudo impactar directamente en su forma de ser.
  • Desarrollo: en los inicios de nuestra vida, cuando entramos en contacto con el medio ambiente que nos rodea, nuestra personalidad va tomando características que se reflejan en la adultez, por eso es tan importante la manera en que nos relacionamos con nuestros padres, familiares o cuidadores. Frida tenía una buena relación con su padre, él fue quien le habló de las relaciones de amistad, amor y sexuales, además de que le enseñó a revelar y a usar la cámara fotográfica. Había mucho cariño entre ellos y de acuerdo con González Núñez, en su adultez Kahlo desplazó este amor hacia su querido Diego Rivera. 

    Los padres de Frida Kahlo.
  • Medio ambiente: el tercer punto importante es el ambiente que nos rodea y las experiencias que tenemos tanto biológica como psicológicamente. En el caso de Frida hubo varios hechos que la marcaron y fueron causa de su sufrimiento, el más impactante fue un choque en autobús cuando tenía 19 años, este suceso la dejó con la columna vertebral destrozada en tres partes y un gran daño en el vientre que le impidió tener hijos; también se dañó su clavícula y hombro.

La pintora pasó semanas en cama y tuvo 32 operaciones quirúrgicas a lo largo de su vida. Durante ese tiempo y en varias etapas en que no salía de la cama, encontró en la acuarela una huida de su realidad, dejando huella en sus cuadros de las emociones que la desbordaban.

Opiniones encontradas

Otros estudiosos de Frida aseguran que diversos sucesos, como la relación amor-odio que tenía con su madre, produjeron conductas maniacas en ella; o que la idea obsesiva de la muerte que aparece en varios de sus cuadros se debió a que no pudo tener hijos.

El sufrimiento de Frida también se ha atribuido a su relación tormentosa con Diego Rivera, que lejos de ser una historia romántica, estaba llena de dependencia, desencuentros e infidelidades, estas últimas eran por parte de ambos y se dice que durante un tiempo fueron por mutuo acuerdo, pero llegaron a su fin cuando Frida encontró a su marido siéndole infiel con su hermana.

Por su parte, Araceli Rico, otra estudiosa de la artista, menciona en su libro Frida Kahlo: Fantasía de un cuerpo herido que los estudios psicoanalíticos que existen alrededor de su vida y obra dejan fuera el contexto social de la época y la tradición del arte mexicano, centrándose solo en la artista y esto puede mostrar una interpretación incorrecta de la biografía de Kahlo. Así que algunas interrogantes de la vida y obra de la pintora difícilmente se terminarán de resolver.

 

 

Drones 2021: artistas de la cámara

Aunque no se puede retroceder en el tiempo, hay instantes que se pueden capturar por siempre en una fotografía, y eso lo saben muy bien los participantes de los Drone Photo Awards 2021 —producidos por Siena Awards—, quienes con su cámara encontraron una forma fascinante de ver el mundo.

En este concurso todas las fotografías aéreas fueron bienvenidas, sin importar si se tomaron con drones, desde helicópteros, cometas o hasta globos aerostáticos. Participaron 2,900 fotógrafos y aficionados de 105 países, en diversas categorías: deporteboda, vida silvestre, personas, urbano, naturaleza, abstracto.

Ganador del 2021

Aunque la competencia estuvo muy reñida, el ganador del año fue Terje Kolaas, quien logró capturar en su foto a miles de gansos volando, en un viaje que los llevaba a sus sitios de cría en Svalbard, en el Ártico. Para lograr esta toma, el fotógrafo esperó el momento en que las aves comenzaran su vuelo y pudo inmortalizarlo gracias a su dron. Esta foto, nombrada “Pink-Footed Geese Meeting the Winter”, lo hizo ganador del título de “Fotógrafo de drones del año”, además se llevó a casa 500 mil euros en equipo fotográfico, entre otros premios.

Ganadores de diversas categorías

Aunque Kolaas fue el triunfador general, hubo otros ganadores y finalistas en cada una de las categorías. Aquí te presentamos algunos de los más destacados.

El australiano Phil De Glanville se llevó el primer lugar en la categoría “Deporte”, con una imagen que mezcla el talento del surfista Ollie Henry con los maravillosos paisajes de la naturaleza marina. Mientras el surfista se balanceaba sobre una ola gigantesca, un arcoíris resplandeció sobre el mar, dándole más encanto al instante.
En la categoría “Boda”, el italiano Matteo Original se llevó el primer lugar con una fotografía que muestra a unos recién casados que, mientras se miran con ternura, caminan por un sendero que pareciera ir directo a las nubes. Esta imagen tuvo un título ideal: l’Infinito insieme a te, que significa “hacia el infinito junto a ti”.
El primer lugar de la categoría “Personas” fue muy reñido. Alexandr Vlassyuk fue uno de los finalistas, con una imagen en donde él mismo fue modelo. En ella destacan los contrastes: él y una chica vacacionan en traje de baño sobre un mar congelado que da la impresión de ser un cristal roto. Vlassyuk comentó que la toma no fue sencilla y que al realizarla estaban a una temperatura de -10 grados Celsius.
El primer lugar de “Personas” se lo llevó Trung Pham Huy con una foto que muestra a un pescador en medio de un manglar; los árboles que lo rodean, vistos desde arriba, parecen venas blancas y es que durante el invierno los árboles pierden todas sus hojas en esta zona.
Por otra parte, la foto ganadora de “Abstracto” tiene una mezcla de colores y formas, que hacen recordar los cuadros de Van Gogh. Se trata de una captura hecha por Gheorghe Popa, en la que se combinan los colores de la naturaleza de un río con los desechos químicos que son producto del proceso de extraer cobre y oro, lo que le da unos tonos poco comunes.

Estas son solo algunas de las imágenes finalistas, los fotógrafos ganadores de cada una de las categorías recibieron una estatuilla de cristal del premio Pangea; además, sus fotos estuvieron exhibidas del 23 de octubre al 5 de diciembre de 2021, en la exposición “Above Us Only Sky”, en Siena, Italia.

Si no pudiste viajar hasta Italia para visitar esta increíble exposición y quieres conocer todas las fotos ganadoras, solo da click aquí.

 

Llega a Chapultepec la exposición “La higiene es nuestro derecho”

“Cuando ya no somos capaces de cambiar una situación, nos encontramos ante el desafío de cambiarnos a nosotros mismos”. Viktor Frankl.

Para muestra de la frase anterior, la pandemia por COVID-19, que nos ha hecho modificar nuestros hábitos de higiene y preocuparnos más por nuestra salud.

Somos afortunados quienes podemos cuidarnos y llevar a cabo las medidas de higiene, pues no en todos los países ni sitios de México se tienen los recursos necesarios para llevar a cabo un buen lavado de manos y de acuerdo con el estudio “Progresos en materia de agua para consumo, saneamiento e higiene en las escuelas. La COVID-19 en el punto de mira”, realizado en 2020 por la OMS y la UNICEF, 15% de las escuelas no cuentan con acceso a agua para beber, 6% no tiene sanitarios y 17% no cuenta con lugares para lavarse las manos con agua y jabón.

“Ki’i óol Paal (niños felices)” Brian (18 años) de Quintana Roo.

Viendo este panorama, la UNICEF y la compañía de higiene Essity trajeron hasta la Primera Sección del Bosque de Chapultepec la exposición La higiene es nuestro derecho. Se trata de una colección de 57 fotografías —divididas en tres secciones— que busca mostrarnos la necesidad de que todos los niños tengan acceso al agua y a las prácticas de higiene.

Un concurso de niños y adolescentes

La parte central de la exposición está compuesta por las fotografías finalistas y ganadoras del concurso La higiene es nuestro derecho, que se realizó a finales del 2020 e inicios del 2021 y participaron más de 100 niñas, niños y adolescentes de varias partes de la República Mexicana. Se trata de fotografías rebozadas de una gran creatividad que se mezcla con la conciencia que han hecho respecto a la importancia de la higiene.

Los primeros lugares se los llevaron: Mariana Isabel Mendoza García, de 15 años y originaria de Campeche; Miguel Ángel Granados Flores, un chico guanajuatense de 18 años; y Dulce Sofía Hernández Díaz, de 14 años, del estado de Chiapas.

“Cuidar de ti es cuidar de mí”.  Esmeralda (13 años) de la CDMX.
Suecia en México

En la segunda parte de la exposición, la esencia sueca se hace presente con el compendio organizado por Essity y la galería Fotografiska, se trata de una obra de tres fotógrafos de Suecia: Ida Borg, con El ciclo de vida; y Paul Hansen y Åsa Sjöström, con Mano con mano. En este compendio, los fotógrafos muestran imágenes de los diversos retos que han vivido las personas alrededor del mundo en la lucha por mantenerse sanos y llevar a cabo las medidas de higiene.

UNICEF en el mundo

En la tercera parte de esta muestra fotográfica, se dan a conocer las acciones realizadas por la UNICEF en varios rincones del mundo para brindar mejores condiciones al acceso de agua, higiene y saneamiento durante el 2019-2021, durante la pandemia causada por COVID-19.

Tomada de: López Dóriga Digital.

Así que, si quieres conocer algunas de las fotografías puedes dar click aquí o si quieres verlas en vivo, date una vuelta con la familia, tu crush o con tu mejor amigo al bosque de Chapultepec. La entrada es libre de martes a domingo de 6:00 a 17:00 horas y la exposición estará disponible hasta finales de septiembre.

 

Van Gogh: un maravilloso artista atormentado (Parte II)

Su carrera de pintor

Van Gogh encontró en el arte una manera de expresar los sentimientos que tanto le costaba comunicar a los demás, era un amante de la naturaleza y de los maravillosos paisajes que esta le regalaba; sin embargo, “no lograba ponerse de acuerdo con ella”, por lo que —con un influjo del impresionismo —creó la atmósfera que estaba en su imaginación, formando un estilo y una combinación de colores propios.

La siesta. (Tomada de Pinterest).

Uno de los temas constantes en sus cuadros es la vida cotidiana en los campos, en donde aparecen los mineros y campesinos por quienes sentía gran simpatía. En esos tiempos le escribió a su hermano —con quien tenía una relación muy estrecha— esta carta:

 “Querido Théo: Estoy copiando dibujos y creo que si los vieras no los encontrarías tan mal. Si ya tienes los que te pedí de Millet, el pintor que tanto me gusta, envíamelos en cuanto puedas. No te preocupes por mí, si logro continuar dibujando me sentiré bien. He interrumpido mi trabajo para escribirte y tengo prisa por continuarlo, de manera que me despido. Te mando un fuerte y cariñoso abrazo. Vincent”.

Los comedores de patatas

Terminada en 1885, es considerada su primera gran obra de arte. En ella retrató a cinco campesinos con los mismos tonos de la tierra que cultivaban; así, la papa recién cosechada se encuentra plasmada en todo el lienzo. Sin embargo, en su época esta pintura no tuvo el éxito esperado, pero hoy en día ha alcanzado gran prestigio entre la comunidad artística.

Vincent van Gogh - Los comedores de patatas
Comedores de patatas (1885).
La noche estrellada

Uno de los cuadros más famosos, apreciados y que ha inspirado a otros artistas es La noche estrellada, aquí algunos de los datos interesantes de esta gran obra:

  • De acuerdo con las cartas que intercambiaba con su hermano Theo, para realizar este cuadro se inspiró en el paisaje que veía desde el hospital psiquiátrico Saint-Paul-de-Mausole.
  • Algunas teorías afirman que tiene cierta simbología —como los cipreses— relacionada con los cementerios y la muerte. Un comentario de Van Gogh da pie a esta sospecha:

“Mirar las estrellas siempre me pone a soñar. ¿Por qué, me pregunto, no deberían los puntos brillantes del cielo ser tan accesibles como los puntos negros del mapa de Francia? Así como tomamos el tren para llegar a Tarascon o Rouen, tomamos la muerte para llegar a una estrella”.

Noche estrellada (1889). (Tomada de Pinterest).
  • Van Gogh mencionaba en sus cartas a Theo a la “estrella del amanecer”, años más tarde, el historiador Albert Boime descubrió que esta estrella era en realidad el planeta Venus.

A pesar de realizar 900 cuadros (entre ellos más de 30 autorretratos y 148 acuarelas) y más de 1600 dibujos, fue de esos artistas que —por desgracia— en su época no fueron reconocidos y en vida solo vendió un cuadro: El viñedo rojo. Fue comprado por 400 francos durante una exposición en Bruselas por Anna Boch, una coleccionista de pintura impresionista. Sus demás obras no trascendieron hasta después de su muerte, actualmente se venden por millones de euros en subastas y ventas privadas.

Si quieres conocer más acerca de la enigmática vida de este gran artista, las razones que lo llevaron a mutilarse una oreja y las sospechas acerca de su muerte, no dejes de leer la primera entrega de este texto  Van Gogh: un maravilloso artista atormentado (Parte I),

 

Van Gogh: un maravilloso artista atormentado (Parte I)

La mayoría de los artistas buscan exorcizar sus demonios personales por medio de sus obras, transformándolas en algo maravilloso, tal es el caso del reconocido pintor Vincent Willem van Gogh (Países Bajos, 1853-1890). A pesar de haber padecido varios trastornos psicológicos, logró plasmar en sus cuadros un mundo colorido y único.

Vida personal

Su biografía es conmovedora e intrigante desde el inicio. Nació justo un año después de que llegara al mundo un hermano con su mismo nombre: Vincent Willem, quien nació muerto o falleció al poco tiempo. De acuerdo con algunos psicólogos, la muerte del primer niño puede tener repercusiones tanto en los padres como en el hijo siguiente y seguramente fue impactante para él ver una tumba en donde estaban grabados su nombre y apellidos.

Pintando (tomada de Taringa).

A Van Gogh le costaba relacionarse con los demás y sus trastornos lo llevaron a internarse en un hospital psiquiátrico en varios momentos de su vida. A pesar de que recibió varios diagnósticos, como: epilepsia, esquizofrenia, neurosífilis, psicopatía y trastorno bipolar, no se ha llegado a una conclusión general sobre el mal que lo acechaba.

El misterio de la oreja y la muerte de Van Goh

Un suceso muy conocido de Van Gogh es la mutilación de su oreja. Existen varias versiones, algunos expertos dicen que fue consecuencia de sus trastornos, otros creen que lo hizo al recibir la noticia de que su querido hermano Theo se casaría, unos más, afirman que fue Paul Gauguin quien le “voló” la oreja con un golpe de espada durante una discusión. Lo cierto es que después de la mutilación, llevó su oreja como un regalo para Rachel, una mujer que trabajaba en un burdel, quien cayó desmayada al ver tan terrible obsequio.

La oreja de Van Gogh.

Otro punto del que se ha hablado mucho es la muerte del pintor. La versión oficial dice que se suicidó a los 37 años pegándose un tiro; sin embargo, en el año 2011 Steven Naifeh y Gregory White Smith afirmaron en su obra Van Gogh: la vida, que el artista falleció una tarde en que salió a pintar y accidentalmente recibió un disparo de los adolescentes René y Gaston Secrétan; él no quiso responsabilizarlos y asumió la culpa. Esta teoría no está confirmada, pero es una posibilidad.

Su carrera de pintor
Trigal con cuervos.

Le encantaba el dibujo desde que era joven pero su carrera como pintor inició hasta los 32 años y desde entonces no paró de pintar a lo largo de sus últimos cinco años de vida.  ¿En qué se inspiraba para pintar?, ¿cuáles son los secretos ocultos de su arte?, en la próxima entrega de este artículo podremos conocer la respuesta a estas y varias interrogantes más.

Continuará…

 

 

Pesadillas de H.R. Giger

La ciudad de Gruyères, en Suiza, no solo es famosa por el queso que lleva su nombre, sino porque ahí, en el castillo de Saint Germain, desde 1998 se exhibe la obra de uno de los artistas más escalofriantes e influyentes de la era contemporánea.

 

Hans Ruedi Giger nació en 1940. Desde su niñez tenía pesadillas. En la adolescencia sus obsesiones fueron las armas y el sexo: se masturbaba en un rincón del salón de clases y desarmaba pistolas para limpiarlas y examinar su mecanismo. Años más tarde, cuando estudiaba arte en la universidad, experimentó con la teoría de la interpretación de los sueños de Sigmund Freud, de lo que resultó el trabajo final Station Passage (1965), donde ya se ven máquinas insertadas en seres deformados, como preámbulo de sus característicos biomecanoides.

Transiciones

Una vez graduado, en 1966, H.R. consiguió su primer trabajo como diseñador de muebles de oficina. Ese año fue fructífero, aprovechó su insomnio para desarrollar los materiales de su primera exposición individual. También conoció a la actriz y modelo Li Tobler, de quien se enamoró locamente y que se convirtió en su musa.

(Poco a poco su arte evolucionaría, al probar nuevos materiales y variar los temas de sus obras sin jamás abandonar la oscuridad: de tinta, navajas y papel de radiografía a aerógrafo; de muebles por encargo a la temible silla de huesos Harkonnen; de torsos egipcios a esculturas siniestras; de paisajes al óleo a inquietantes imágenes de metálicos-enormes penes-mangueras insertos en mujeres intensamente sensuales; de performances a escenografías y otras creaciones cinematográficas… La relación con Li terminaría catastróficamente con el suicidio de la actriz a los 27 años a causa de la depresión.)

Monstruos del espacio

Los trabajos de Giger siguieron su curso: diseño de pósters y portadas de LPs, una sucesión de exposiciones individuales y trabajos colectivos, diseños espaciales y pintura erótica.

Empezó a dibujar los enormes gusanos extraterrestres concebidos por Frank Herbert en la novela Dune, para una adaptación al cine que Alejandro Jodorowsky nunca logró concretar.

Realizó una serie de terribles y asombrosas imágenes inspirado en el Necronomicón, libro imaginado por H.P. Lovecraft que muchos desearían que existiera en la realidad.

El cineasta Ridley Scott vio estos trabajos y lo contrató para diseñar la escenografía y el xenomorfo protagonista de la película Alien (1979). Gracias a esta, fue conocido en muchas partes del mundo y obtuvo un premio Oscar por Mejores efectos visuales.

Biomecanoides

Así, entre insomnios y pesadillas, lecturas estremecedoras y una intensa experimentación, Giger fue inventando su propio estilo artístico, fundado en la teoría del biomecanismo, donde seres vivos se conectan con máquinas para convertirse en biomecanoides, unas criaturas a medio camino entre lo orgánico y lo artificial, que habitan en paisajes saturados de patrones metálicos. Es también una forma de protesta contra la industrialización exacerbada, el consumismo y otras miserias que atormentan al hombre contemporáneo.

Giger transformó sus pesadillas en exquisitas obras de arte que muchos no soportan ver. Dejó de hacerlas a los 74 años, cuando cayó por las escaleras de su casa y murió. Nos dejó su universo particular, terrorífico e inexplicable, fuera de este mundo y tan terrenal como el sexo.

Todas las imágenes son fotografías de la exposición “Solo con la noche”, que se presenta en la Ciudad de México.

Comic-Con, un homenaje anual a la cultura pop

Por Mario González / Redactor en 360

 

 

La entrega del 2018 se llevó a cabo del 19 al 22 de julio en el San Diego Convention Center.

La gran fiesta de los amantes de la cultura pop, la San Diego Comic-Con 2018, se llevó a cabo del 19 al 22 de julio en el San Diego Convention Center, donde se dieron cita los fanáticos de los cómics, televisión, cine y videojuegos para ponerse al día sobre los últimos lanzamientos de cada una de estas millonarias industrias. Sin embargo, la San Diego Comic-Con no ha sido siempre la gran convención que conocemos hoy en día, ya que sus inicios fueron totalmente distintos a lo que conocemos, pues en aquel entonces nadie se imaginaba que cinco fans de los cómics se convertirían en los padres de una “revolución nerd que terminaría por conquistar al mundo.

Todo comenzó en 1970, cuando se reunieron cinco amigos: Shel Dorf, Richard Alf, Ken Krueger, Mike Towry y Greg Bear, quienes decidieron organizar la primera convención dedicada a los cómics en el sótano del Hotel U.S. Grant, al sur de California, bajo el nombre de ‘Golden State Comic-Minicon’. En esa primera entrega con duración de solo un día, tuvieron la presencia dos invitados especiales: Forrest J Ackerman y Mike Royer, así como una asistencia de solo 100 personas, un número que resulta risible si lo comparamos con los cerca de 150 mil asistentes del año pasado.

Pero esa primera edición solo sería la antesala de algo más grande, ya que las ganancias obtenidas fueron suficientes para que ellos mismos organizaran, más tarde en ese mismo año, la ‘San Diego’s Golden State Comic-Con’, la cual duró tres días, reuniendo a más de 300 asistentes, quienes vieron por primera vez la estructura de paneles, conferencias y eventos que conocemos en la actualidad. Sin embargo, no todo ha sido miel sobre hojuelas cuando hablamos de la Comic-Con, ya que en su proceso de crecimiento ha tenido que enfrentar diversos contratiempos, como el robo de 120 mil dólares en 1984, donde su comunidad demostraría su fidelidad, ya que los mismos fans de la entonces Comic-Con International serían los encargados de realizar donaciones para recuperar los ingresos perdidos.

En lo que respecta a la entrega de este año, fue una Comic-Con con una amplia diversidad de contenidos, con noticias emocionantes para los seguidores de cada una de las industrias que la hacen posible: cómics, cine, videojuegos y televisión. Como podemos ver, desde sus inicios hasta la actualidad, la Comic-Con se ha encargado de hacer realidad los sueños de todos los amantes de la cultura pop.

 

Imagen vía Polygon por Getty Images.

Paisajes de la Mente o la justificación del “elitismo” del arte

Éste es el último fin de semana de la exposición Landscapes of the Mind. Paisajismo británico. Colección Tate, 1690-2007 en el Museo Nacional de Arte, y si no la ha visto debería aprovechar e ir. La experiencia es, fuera de cualquier cliché, todo un gozo.

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Ya han pasado dos meses desde que yo misma fui a visitarla. Creo que llegué como a las 12:30, casi 1 de la tarde, y salí unas dos o tres horas después, contenta y satisfecha por lo que acababa de ver. Si bien esta exposición no es trendy o interactiva, como la Obsesión Infinita de Yayoi Kusama y no convoca largas colas que pareciera que algo regalan en el museo, sí es un clásico, un must. De hecho, a diferencia de la de la japonesa, ésta cae dentro de la old school y entre las reglas está no tomar fotos, por lo que muchos dirían que vuelve a la cerrazón elitista del arte y los museos… quizá. Pero no. Personalmente, yo no lo veo así. Es que, en cualquier caso, esto no se trata de una instalación moderna con miles de lucecitas, espejos y figuras geométricas, sino de cuadros muy antiguos —unos más que otros— que de verdad necesitan cuidados especiales para que no se dañen. No es cerrazón, no es elitismo, es preservar el arte para las futuras generaciones.

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Si bien he de confesar que al principio, cuando supe que uno no podía hacerse selfies o tomarle foto a su cuadro favorito, al menos no tan descaradamente, me desilusioné, pues quería presumir mi visita en las redes sociales; luego caí en la cuenta de que las razones que tienen para prohibir esto están más que justificadas. Y de que, finalmente, una visita al museo se disfruta más sin tener que estar informándole a la gente que estás frente a tal o cual cuadro (aunque a veces dan unas ganas enormes de presumir, eso sí), pues la finalidad es precisamente disfrutar el ahí y ahora, la sensación que a uno le produce dicha obra en ese mismo momento.

The Badminton Game 1972-3 by David Inshaw born 1943El paisajismo significa “la contribución más grande de Gran Bretaña al arte europeo” y, además, ofrece una gran diversidad estética, aunque en principio uno pueda pensar lo contrario. En la colección que presenta el Munal, podemos ver 111 piezas que van desde el siglo XVIII, pasan por el Romanticismo, el Prerrafaelismo, el Impresionismo, las vanguardias y el modernismo, hasta llegar a la revitalidad del género en nuestros días. Así, arte tradicional y contemporáneo se unen en un solo lugar y momento, haciendo más fácil la comprensión de los procesos que desembocaron en cómo se representa al paisaje hoy en día. En Landscapes of the Mind encontramos a artistas como Gainsborough, Stubbs, J.M.W. Turner, Constable, Whistler, Nicholson y David Hockney. Particularmente, me emocioné cuando vi el único cuadro de L.S. Lowry, un favorito personal, y me gustaron mucho: “Tractor in Landscape”, de Kenneth Rowntree; “The Badmington Game”, de David Inshaw; “Three Daughters of John, 3rd Earl of Bute”, de Johan Zoffany, y el impresionante “The Destruction of Pompei and Herculaneum”, de John Turner.

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El domingo 21 de junio es su última oportunidad para ver éstas y otras obras. ¡No lo dude y vaya! Encuentre más información aquí.

La exposición forma parte de los festejos por el Año Dual México – Reino Unido 2015.