Lo que no sabías del doblaje de voz en películas

Según cuenta la leyenda, al inicio de los años 80, cuando Star Wars llegó a España y Latinoamérica, muchos niños no conocieron a Luke Skywalker, Chewbacca y RD2D, sino a Lucas Trotacielos, Mascatabaco y Arturito, nombres que los cines pensaron más acordes a las tierras hispanohablantes. Aunque tal historia es un mito urbano, con apenas un toque de verdad, refleja bien la complicada historia del doblaje; para muchos, este arte y negocio ha sido un puente para conocer películas, series y caricaturas de todo el mundo; para otros, es un atentado contra la integridad intelectual de la obra. 

Una controvertida historia

Durante la época del cine mudo, las películas apoyaban su narrativa en intertítulos que, entre escenas, mostraban escritas las descripciones y diálogos, o en un “charlatán”, que explicaba la película para aquellos que no podían leer. Sin embargo, la llegada del cine sonoro supuso nuevos problemas para la exhibición de cintas extranjeras, aunque algunos trataron de verlo como oportunidades. La productora Metro Goldwyn Mayer estaba segura de que la gran maquinaria del cine estadounidense haría del inglés la lengua mundial, pero esto solo ayudó a desatar el pánico internacional a la “intrusión lingüística”, y países como Francia recurrieron al subtitulaje para rescatar el idioma nativo de la oleada norteamericana, prohibiendo exhibir películas en idiomas ajenos que no llevaran subtítulos.

El analfabetismo predominaba en todo el mundo, así que las productoras buscaron otras opciones. En 1928 nació el doblaje moderno, cuando Paramount Pictures logró sincronizar el diálogo de The Flyer, traducido del inglés al alemán, con los movimientos labiales de los actores. 

Sin embargo, la calidad de la técnica solía ser pésima, por lo que los cineastas preferían otros métodos, llegando a filmar sus películas varias veces con actores de diferentes países como la excelente versión española de Drácula de 1931, protagonizada por Carlos Villarías y Lupita Tovar, lo cual resultaba costoso y, a falta de supervisión constante, la calidad de una versión a otra era muy variable. Por esto, varios años y avances tecnológicos después, el doblaje tuvo un gran renacimiento.

De México, para el mundo

En los años 40, la Metro Goldwyn Mayer se llevó a sus estudios de Nueva York a un puñado de actores mexicanos de radionovelas  para doblar sus películas. Rápidamente, en México y otros países de Latinoamérica, como Argentina creció una gran industria del doblaje. Sin embargo, para finales de la década varios gobiernos decidieron que esta práctica fomentaba la competencia desleal para la producción local, y prohibieron que los cines nacionales presentaran películas extranjeras dobladas que no fueran infantiles. En México, este veto estuvo vigente hasta el año 2000, por lo que los doblajes fueron territorio mayormente televisivo por medio siglo.

Evangelina Elizondo, bajo la dirección de Santos, fue nuestra Cenicienta mexicana. Fuente: Disney y De Memoria.

La industria del doblaje en Latinoamérica se volcó al público infantil. Walt Disney mismo se interesó en las posibilidades del doblaje mexicano después de la fuerte crítica que el locutor Edmundo Santos hizo del mal doblaje al español de Blanca Nieves, y en poco tiempo, Santos pasó a ocuparse de la traducción de las canciones de Disney. Unos años más tarde, se convirtió en asesor oficial del idioma, desarrollando las reglas gramaticales para el llamado “español neutro” que evitaban tropicalizaciones o acentos típicos. 

El problema de la tropicalización

A inicios de los 50, Santos se mudó con su equipo a la Ciudad de México para trabajar en La Cenicienta, y pasaría los siguientes 27 años, hasta su muerte, encargándose por completo del doblaje al español de películas y productos derivados de Disney. Aunque esta era nos regaló joyas como El Libro de la Selva con la voz de Tin Tan para Baloo, Luis Pelayo tras Bagheera y a Carlos Petrel como Sheer Khan, la práctica del español neutro fue abandonada a partir de 1991 para La Bella y la Bestia, en favor doblar una versión latinoamericana y otra con el castellano de España. 

 

Mientras tanto, la televisión seguía siendo el campo más fértil para los actores de doblaje. A diferencia de la actuación frente a la cámara, contar con la voz como herramienta principal implicaba que ni la edad, ni el aspecto físico ni el género eran barrera, y la libertad de acción era tal que, sobre todo en caricaturas, se permitían incorporar rasgos culturales y ciertas tropicalizaciones que las hicieran más accesibles y reconocibles; a pesar de que esto no pocas veces resultaba en interpretaciones que desmerecen la versión original, también nos permitió disfrutar de creaciones excepcionales como la que hizo Jorge Arvizu, “el Tata” para Don Gato y su pandilla: mientras que en los EUA pasó desapercibida, en toda Latinoamérica se volvió un ícono cultural, tal como te contamos en uno de nuestros artículos pasados.

Don Gato y su pandilla.

El doblaje en la actualidad

En décadas recientes la labor de doblaje comenzó a devaluarse, los estudios y televisoras dieron preferencia a voces menos entrenadas, pero más baratas, o cayeron en la práctica del star system, dando los papeles principales a actores y cantantes populares, expresamente contratados para interpretarse a sí mismos o a sus personajes más conocidos. De igual forma, se volvió cada vez más frecuente el introducir en trabajos extranjeros chistes locales, referencias o modismos de la cultura popular, sin ningún cuidado o respeto por el trabajo original ni por la labor profesional de los verdaderos actores del doblaje. Resulta curioso que, de entre todas las voces de profesionales y cinéfilos que a través de los años se han alzado contra esta mala práctica, sea la de Jorge Luis Borges, desde el lejano 1945, la más profética: 

“Las posibilidades del arte de combinar no son infinitas, pero suelen ser espantosas. (…) Hollywood acaba de enriquecer ese vano museo teratológico; por obra de un maligno artificio que se llama doblaje, propone monstruos que combinan las ilustres facciones de Greta Garbo con la voz de Aldonza Lorenzo. ¿Cómo no publicar nuestra admiración ante ese prodigio penoso, ante esas industriosas anomalías fonético-visuales?”.

 

Lo que no sabías de los autocinemas

Hoy en día, las películas nos acompañan con un sinfín de historias de diferentes géneros y para todos los gustos, desde romance y comedia, hasta acción, misterio y terror. 

Ahora que, si le sumas la compañía de tu mejor amigo, tu familia o tu ligue en un lugar íntimo y cómodo, la experiencia frente a la pantalla se disfruta al doble, o al menos así lo pensó Richard M. Hollingshead, quien montó el primer autocinema en Nueva Jersey en 1933. 

Mágica compañía en el autocinema.

¿Qué llevó a Hollingshead a inventar los autocinemas? 

Una de las teorías afirma que la mamá de Hollingshead era una persona con obesidad y por ello no se sentía cómoda en ninguna butaca, así que él no dudó en buscar una solución.  

La otra versión asegura que el magnate quería impulsar el uso del auto, así como los productos Whis, teniendo por eslogan publicitario: “cada quien en su propio palco”.    

“Cada quien en su propio palco”.

Sea cual sea la razón que llevó a Hollingshead a crear esta nueva manera de ver películas, lo cierto es que fue un gran éxito que rebasó incluso las ventas de los cines convencionales, siendo así que, para 1956 los autocinemas se habían extendido por toda la Unión Americana.  

¿Por qué triunfaron los autocinemas? 

  • Eran mucho más baratos que los cines convencionales, porque con un solo boleto podían entrar todos los que cupieran en un carro, en modo “auto sardina”. 
  • Podías llevar tus propias botanas y hasta tomarte unos tragos de alcohol mientras disfrutabas el film 
  • Los carros eran el lugar ideal para romancear o pasar una tarde de besos con tu pareja.

    Diversión en tu propio auto.
  • La calidad del audio de las películas era increíble, pues se transmitía por medio del radio de los autos.  
  • El sitio en el que se ubicaban fue diseñado de forma ideal, tenían rampas para que los carros se inclinaran ligeramente hacia atrás y no se obstruyeran la vista entre sí. 
Colocación ideal para los autos. 

El fin y el regreso de los autocinemas

A pesar del gran éxito de los autocinemas, en los años 80 muchos quebraron, pues con la llegada de las nuevas tecnologías, como las televisiones a color, el VHS y Beta, ya podías ver películas en pijama y pantuflas desde la comodidad de tu casa.  

Disfrutando el cine en casa.

Actualmente, debido a la pandemia, en México y en otros países se han vuelto a colocar nuevos autocinemas que han sido recibidos con gran agrado por parte de los visitantes; así que, tal vez hemos vuelto un poco a una manera antigua y diferente de ver cine.  ¿Y tú, ya viviste esta increíble experiencia? 

Love, Death + Robots: muchas muertes, muchas máquinas y no tanto amor

La serie estadounidense Love, Death + Robots, estrenada en Netflix en marzo de 2019 y producida por David Fincher, ha dado mucho de qué hablar a año y medio de su lanzamiento. Para describirla hay que hacer ciertos contrastes entre lo que es y lo que no.

Lo que es

En uno de los tantos aspectos en que los creadores han innovado es en el formato: ningún capítulo pasa de los quince minutos (sin contar los créditos), siendo el promedio de unos once.

Otra característica a resaltar es que —aunque no en todos los casos— los episodios son dirigidos, escritos y animados por distintas personas y equipos.

Las animaciones y efectos especiales son tan diversas que al terminar el espectador de ver un capítulo, queda ansioso por saber cuál será el estilo visual del próximo. En ese sentido, misión cumplida.

Muchos fanáticos del cyberpunk y otros de la programación, la realidad virtual y otros temas de índole tecnológica y futurista, encuentran la serie sumamente novedosa e interesante, por lo que tiene un target establecido, aunque no limitado.

Y por toda la acción y tiroteos implicados en la mayoría de los capítulos, también puede decirse que cumple con el cometido de entretener casi siempre. Por otro lado, los entusiastas del gore no suelen decepcionarse, pues ya sea en un estilo animado caricaturesco o en uno hiperrealista (y en todos los que están en medio), por lo menos en la mitad de los capítulos encontramos sangre manando a borbotones.

Y lo que no

Es de las historias de lo que no se puede hablar en los mejores términos, pues aunque hay algunas verdaderamente memorables, otras resultan nada convincentes.

En muchos de los episodios es evidente cierto olvido del esmero en la cohesión y el convencimiento del argumento en pos de una muy minuciosa aparatosidad visual.

 También se recurre en varios de ellos, en materia de diálogos, al cliché, hay poca profundización psicológica en los personajes y desinterés en ahondar en las relaciones interpersonales. En estos tres aspectos no es comparable con series como Black Mirror.

Aclamada

Pero estas deficiencias argumentales de alguna manera se llenan con la creatividad. La serie está colmada de criaturas, espacios, humanoides y mundos visualmente muy atractivos.

Después de haber señalado las características favorables y desfavorables de Love, Death + Robots, lo que resulta innegable es que comercialmente ha sido un éxito y la aclamación por parte de la audiencia es unánime. Sin duda, los fanáticos de esta producción, casi única en su tipo, esperan con ansias la segunda temporada.

Mira aquí el trailer de la primera temporada:

Foto de entrada por Franck V. en Unsplash

El lenguaje del doblaje: el caso Top Cat

A principios de los años 60 se estrenó en Estados Unidos la serie animada Top Cat, acerca de las travesuras de una pandilla de gatos callejeros. Después de 30 episodios Hanna-Barbera la canceló por bajo índice de audiencia. En 1963 fue adaptada y doblada al español en México, donde se llamó Don Gato y su pandilla.

Tuvo un éxito tremendo y estos 30 episodios se han transmitido una y otra y otra vez en las décadas de 1960, 1970, 1980, 1990, 2000 y 2010. Se convirtió en una serie de culto. En 2011 y 2014 se hicieron dos largometrajes en coproducción México-Argentina-Estados Unidos, pero a pesar de lograr una buena recaudación en taquilla, no tuvieron el éxito de antaño de la serie.

Pero ¿por qué en Estados Unidos Top Cat no prosperó mientras que en México fue un exitazo? Si ves la serie en el idioma original te das cuenta de que resulta bastante olvidable, sin embargo, para realizar el doblaje en México se reunió una pandilla de actores súper experimentados que hicieron de Don Gato y su pandilla la caricatura preferida de muchos y por generaciones.

Benny the Ball se convirtió en Benito Bodoque, con aguda voz infantil que lo hacía taaan tierno… Por su parte, Choo-Choo se llamó Cucho, un gato yucateco al que un hot dog le sabe a chocolomo. The Brain, un gato lento de entendederas, se transformó en Demóstenes, mientras que Fancy-Fancy y Spook fueron aquí Panza y Espanto, respectivamente. Por último, el policía Charlie Dibble es nuestro querido oficial Matute.

Los actores de doblaje se divirtieron en grande y se tomaron tantas libertades creativas que Don Gato y su pandilla cobró encanto, ha sido retransmitida cientos (¿o miles?) de veces en la tele y se volvió tan legendaria como ellos, a quienes recordamos y festejamos en este Día Internacional del Doblaje. Ellos son:

Jorge Arvizu. Es la cara más visible de la pandilla por su personaje de “el Tata”, un viejo desgreñado en bata de dormir que gritaba “¡Quiero mi cocoool!”.  Dobló también a Pedro Picapiedra, el Pájaro Loco, Scooby Doo, Bugs Bunny, el Pato Lucas y en Don Gato a Benito Bodoque y Cucho. Fue Maxwell Smart en El Súper Agente 86, el Tío Lucas y el Tío Cosa en Los Locos Addams, Kato (¡la voz de Bruce Lee!) en El Avispón Verde y El Pingüino en la serie sesentera del mejor conocido como “Batman panzón”. Él fue además director de doblaje para Top Cat y su hermano Rubén hizo la traducción y adaptación del guion al español en 1963.

 

Julio Lucena. Voz de Don Gato, también fue Pablo Mármol en Los Picapiedra, Moe en Los Tres Chiflados y dobló voces en un montón de episodios de La dimensión desconocida. Aportó su voz en numerosas radionovelas.

Carlos Becerril. Tiene más de 80 años y más de seis décadas en el doblaje. Además de Panza en Don Gato, es la voz de Robert DeNiro, Richard Gere, Robert Redford, Al Pacino, Mel Gibson, Michael Douglas, Patrick Swayze, Richard Dreyfuss, Anthony Hopkins y una lista interminable, casi tiene el monopolio de las voces masculinas de Hollywood.

Santiago Gil. En Don Gato era Espanto, pero también fue Robin en “Batman panzón”, el señor Ingalls en la serie La Familia Ingalls, Gonzo en El show de los Muppets y Shaggy de Scooby Doo. Trabajó en esto 30 de sus 46 años de vida.

Armando Gutiérrez. Otro personajazo del doblaje, además de Demóstenes en Top Cat, fue la voz del “guapo Ben” en Los 4 Fantásticos (la caricatura de los 60s), Vulcano en El hombre araña (la serie animada viejita) y Brutus en Popeye el Marino. Fue un comediante en teatro y radio, donde era conocido por su sobrenombre Simplón Telera de la Chica.

Víctor Alcocer. Fue actor de cine y Matute en Don Gato, pero también Herman Munster en La Familia Munster, el Gallo Claudio, El Jefe en El Súper Agente 86 y el Guasón en “Batman panzón”. También dobló a El Santo y Blue Demon en películas de luchadores, dándoles la masculinidad y presencia que les faltaban a las voces estos superhéroes de carne y hueso.

Foto de entrada por Neil Godding en Unsplash

Violet Evergarden: content manager del steampunk

En un universo animado atemporal, una terrible guerra ha terminado. Los sobrevivientes deben retomar su vida normal, aun con las secuelas físicas y psicológicas que les ha dejado el conflicto. Violet Evergarden es una de estas personas, una joven mujer que fue entrenada como máquina de guerra y que está sola en el mundo. Su mentor, Gilbert, murió y ella no alcanza a comprender el sentido de sus últimas palabras.

Solo la experiencia le permitirá comprenderlo.

Ella no tiene brazos. Perdidos ambos durante una sangrienta batalla, ahora los sustituyen miembros artificiales. Consigue trabajo como Auto Memory Doll. Son chicas que viven de escribir cartas para otros que, o son analfabetas, o no saben cómo expresarse por escrito.

Violet Evergarden, Wiki Fandom.

Violet deberá aprender a comprender a sus clientes, saber qué quieren expresar y ponerlo por escrito. Por supuesto, el inicio no es fácil. Mensajes demasiado directos parecen violentos y resultan en conflictos entre los emisores y receptores de las misivas. Violet va aprendiendo, capítulo a capítulo, que hay maneras de expresarse, que hay que usar el tacto y tener una estrategia de comunicación para convencer al remitente de lo que se pretende, que es indispensable poner cada palabra, cada frase en su lugar para lograr un mensaje conmovedor. Deberá explorar sus mentes para saber lo que realmente desean expresar. Conforme va aprendiendo más del oficio, sus misiones se volverán más complejas: por carta deberá arreglar matrimonios, cerrar negocios, crear poesía, reparar lazos familiares rotos.

Violet Evergarden es la máxima expresión del steampunk.

Steampunk: subgénero de la ciencia ficción y de la literatura fantástica que combina elementos futuristas y estética vintage, preferentemente de la época victoriana.

El escenario del anime es la capital del país imaginario Leidenschaftlich, Leiden (que realmente existe y está en Holanda), una antigua ciudad europea de esas que parecen de ensueño; los personajes visten ropa de época, viajan en tren (de vapor) y se comunican a distancia por carta, sin mensajes instantáneos ni llamadas telefónicas. Las Auto Memory Dolls escriben en máquinas mecánicas, sin embargo, Violet posee unos brazos robóticos que le dan una súper velocidad y precisión impresionante en la máquina de escribir.

Gilbert y Violet por Undella en Wiki Fandom.

La animación es hermosa, impecable, como solo los japoneses lo saben lograr. La banda sonora se disfruta al máximo, es el marco perfecto para la narración y los personajes se vuelven entrañables.

Violet Evergarden, al igual que animes de antaño como Candy Candy o Heidi, busca transmitir un mensaje sobre cómo enfrentar las adversidades y aprender a vivir feliz. Pero si eres un content manager, te reserva un mensaje único y especial. Todos los creadores de contenidos deberían ver Violet Evergarden.

* * *

Ficha del anime

Basado en la serie de novelas animadas o mangas ヴァイオレット・エヴァーガーデン (Vaioretto Evāgāden), 2015-2018, escritas por Kana Akatsuki, ilustradas por Akiko Takase y publicadas por Kyoto Animation.

Título original: Violet Evergarden (Japón, 2018).

Primera temporada: 13 capítulos y un especial.

Dirección: Taichi Ishidate.

Guion: Reiko Yoshida.

Música: Evan Call.

Fotografía: Animation, Kōhei Funamoto.

Producción: Kyoto Animation.

Distribución: Netflix.

 

Imagen de entrada: Violet Evergarden escribiendo a máquina, Wiki Fandom.

Vinyl: la época donde todo ocurrió

Vinyl

Si usted no se encuentra disfrutando de la serie Vinyl, permítame decirle que se está perdiendo de un clásico instantáneo del formato audiovisual casero.

Apadrinada por Mick Jagger y Martin Scorsese (la influencia de este último se vuelve palpable en cada aspecto del show), esta producción nos brinda un vívido bosquejo de la Nueva York de la década de los setenta; contexto que destaca por su relevancia cultural e iconográfica.

Nuestro protagonista es Richie Finestra (Bobby Cannavale), intrépido ejecutivo de American Century quien se encuentra pasando por un precario momento a causa de la crisis que sufre su compañía.

Mismo asunto al que se suman una serie de demonios personales que arrastran a este personaje hacia situaciones notablemente escabrosas.

A pesar de su volátil estado, no pasa mucho tiempo antes de que Richie se de cuenta de que algo está pasando en la Gran Ciudad: el surgimiento de una serie de movimientos musicales que hacen de la innovación su principal arma propagandística.

Vinyl no es simplemente una serie “musical”; es un auténtico viaje hacia una era específica que cautiva notablemente gracias a su ánimo absolutamente veraz.

Grandes sucesos culturales como el surgimiento del punk y la música disco se ven retratados mediante una narrativa viviencial que cuenta con la aparición ficticia de notables íconos de la cultura popular.

Al mismo tiempo, los trapos sucios de la industria musical quedan al descubierto gracias a una serie de delirantes situaciones que se mueven entre lo cómico y lo grotesco.

Esta serie televisiva es una auténtica explosión de energía y dramatismo que logra capturar el ánimo provocador de ese fenómeno al que llamamos “música”.

 

HBO presenta sus planes para el próximo año

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HBO, canal de televisión que cuenta en su haber con múltiples reconocimientos y premios, dio a conocer esta mañana los proyectos que tiene preparados para este 2016; mismos que, seguramente, harán vibrar de emoción a su vasta audiencia.

Lanzamientos de series originales como Dios Inc (producción que abordará controvertidos conceptos teológicos) o Vinyl (drama ideado por Martin Scorsese y Mick Jagger que se centra en la escena musical de la Nueva York de los setenta) son algunas de las propuestas fuertes que la cadena está cocinando en sus hornos creativos.

Una situación a la que se suma el surgimiento de nuevas temporadas de programas de culto como son GirlsTogethernessGame of ThronesSr ÁvilaMagnífica 70Silicon ValleyHouse of LiesPenny DreadfulMaters of Sex y Ray Donovan.

Al mismo tiempo, se avecina una marejada de estrenos cinematográficos que incluye títulos de enorme calidad como InterestellarMad Max: Furia en el CaminoTerremoto: La Falla de San AndrésPeter PanHotel Transilvania 2El Secreto de AdalineEl Agente de CIPOLPacto CriminalMagic Mike XXLPrimicia Mortal y Escalofríos.

Por supuesto, estos lanzamientos estarán acompañados de otras primicias que serán transmitidas simultáneamente por MAX y CINEMAX.

Producciones entre las que nos encontramos con trabajos como Siempre AliceVicio PropioCarolThe Sea of ThreesMr.HolmesRock the KasbahLa Dama de OroMommyAdiós al Lenguaje, GravedadArgoEl Gran Gatsby Curvas de la Vida.

Sin duda alguna, este 2016 estará lleno de gratas experiencias para todos los amantes del entretenimiento televisivo de alta calidad.

Señorita Pólvora y los contenidos para TV

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Desde el momento que los medios de comunicación existen eran necesarios los contenidos, una cosa ha ido ligada a la otra, la diferencia radica en su calidad y formato. Con el paso del tiempo, la llegada de internet y las redes sociales la producción de contenido se ha exponenciado a tal grado que hoy en día prácticamente cualquier plataforma requiere, para su supervivencia, grandes cantidades de información que le alimenten.

Lo curioso es que cuando pienso en un blog, en una serie de televisión, en un video, en una infografía, en un perfil de Facebook lo que visualizo es texto, para cada medio hay por lo menos un idea escrita que lo sustenta o desde el cual parte. ¿A qué viene toda esta reflexión? Me he encontrado que hay un canal de televisión por cable llamado TNT Series, tal cual es un canal por el cual se transmiten nada más que series de todo tipo, y para llegada la media noche de lunes a viernes aparece “Señorita Pólvora”. 

Esta serie o miniserie, producida por Sony Pictures y distribuida por Televisa, ha resultado ser toda una sorpresa para mi, cabe mencionar que solo hablo de mi muy particular opinión personal, y aunque el tema es recurrente porque trata sobre carteles y mafia, conforme avanza se va convirtiendo en un enredo de venganza, intriga, violencia y drama. Sí, debo confesar que estoy “picada” y que no me importa desvelarme para saber qué sucederá con Valentina, M8, la Pantera y los patrones.

Recuerdo hace un año quizá que había un gran espectacular con vista a Viaducto que anunciaba el lanzamiento de la serie, y es que el nombre es pegajoso, así como la canción de inicio interpretada por Carla Morrison. El elenco que también es interesante lo encabeza Camila Sodi, Iván Sánchez y José María de Tavira, con apariciones de veteranos de la televisión nacional como Hugo Stiglitz y Saúl Lisazo.

Entonces, Señorita Pólvora resulta ser un contenido interesante en esta época de sobre saturación, porque hay tanta series hoy en día que resulta casi imposible poder seguirlas todas, antes solo veíamos lo que los canales de televisión nos ofrecían, ahora tenemos a nuestra disposición un sin fin de opciones. Basta con entrara Netflix o ahora a Amazon para encontrarse con una serie nueva casi cada semana.

Si tienen tiempo y ganas de mirar algo made in Mexico con actuaciones bastante buenas, fluidas; producción sencilla pero bien cuidada busquen a la Señorita Pólvora.

Descubrimientos netflixeros afortunados: Sense8

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Bueno, esta serie —de los hermanos Wachowski y original de Netflix— se estrenó hace casi tres meses, el 5 de junio, pero yo recién comencé a verla a finales de julio, más o menos. La verdad, tenía ganas de “hincarle el ojo” desde que salió, pero como justo terminé de ver otras apenas, no lo hice entonces. Pero ahora me he puesto al corriente con los doce capítulos completos y espero ansiosa a que salga la segunda temporada. Ferviente y definitivamente.

No sé por qué, aun cuando la anunciaron con bombo y platillo y hubo mucho revuelo alrededor de su premiere, no ha funcionado como lo esperaban, al parecer, según lo que oído. No sé por qué si, personalmente, ha sido de las contadas emisiones que me ha mantenido al filo de mi asiento, poniéndome en la piel de los personajes, haciéndome exclamar y gritar y llorar de la emoción… tan buena considero que es. De verdad, no sé cómo no la vi desde el principio (bueno, sí sé, fue porque estaba viendo otras, ja). En fin, de cualquier manera, ya me la eché enterita… no me duró ni el arranque.

La primera vez que supe de esta serie, lo primero que vino a mi cabeza fue otra serie de ciencia ficción, de mis favoritas de la vida: la británica Misfits, que en común con Sense8 tiene lo de la pandilla de gente con “superpoderes” que se ve perseguida por algún enemigo, por lo que, en un inicio, la premisa sonaba bien. Pero había otras sorpresas aun esperándome. Satisfactorias, debo decir. Además, en Geek leí que “toma elementos de series como Person Of Interest y de películas como Cloud Atlas, también de los Wachowski”.

Sin embargo, nadie me había advertido que éste era un elenco internacional, en locaciones alrededor del mundo, lo cual me emocionó aún más. Definitivamente, creo que esto es un plus para la serie. La hace más interesante, hace que más gente pueda sentirse identificada dada la diversidad tanto de personajes como de lugares. Y la diversidad de los primeros es diversidad en toda la extensión de la palabra: racial, sexual y social. Me emociona. Llámenme cursi, llena de clichés. Me encanta. Me encanta—y también me estremece— la idea de que pueda existir alguien en el otro extremo del mundo que sea capaz de sentir y pensar lo mismo que yo y que, eventualmente, pueda “salvarme” de los problemas en los que me meta “prestándome” habilidades que yo normalmente no tengo, y viceversa. Suena fantástico.

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Así entonces, gracias a Sense8 viajo a Chicago, a San Francisco, a Seúl, a Nairobi, a Bombay, a Berlín, a Londres, a Reikiavik y, además, me emociono viendo las locaciones familiares de la Ciudad de México. De hecho, cuando vi el primer capítulo, durante la cortinilla del inicio, me pareció ver el Monumento a la Revolución, pero me dije a mí misma que no podía ser, que seguro era otro similar en otra parte del mundo. Por lo que cuando vi las escenas de “Lito” (Miguel Angel Silvestre), uno de los ocho “sensates“, me emocioné aún más al confirmar que, efectivamente, se trataba de esta ciudad que habito. Y luego, cuando vi al par de actores (caras conocidas de la televisión nacional) que salían con él, mis sospechas quedaron más que resueltas.

En fin, además de esta afortunada coincidencia, en general me parece que la serie está muy bien escrita, dirigida, actuada y editada. Me gusta que cada personaje tenga su propia historia, bien cimentada y justificada; su propia personalidad, su propia identidad. Me fascinan las escenas en donde los sensates se “comunican” entre sí y de pronto comparten tiempo, espacio y sensaciones.

sense8-cast-charactersAmo las escenas de pelea con Sun (Bae Doona), la coreana, y su badass attitude, quisiera tener esa habilidad definitivamente; la honestidad y rectitud de Capheus (Ami Ameen), el keniano; la frescura, originalidad, ganas de igualdad y los conocimientos cibernéticos de Nomi (Jamie Clayton), una de los dos estadounidenses; el sentido de la justicia, nobleza y lindo rostro de Will (Brian J. Smith), el otro norteamericano; la candidez, fe y, al mismo tiempo, fortaleza, de Kala (Tena Desae), la hindú; las capacidades actorales, las ganas de amar y los expresivos ojos de Lito, el mexicano; la inocencia, tristeza que la saca adelante y musicalidad de Riley (Tuppence Middleton), la islandesa, y la fuerza, valentía y nobleza de Wolfgang (Max Riemelt), el alemán.

Así, el “poder” que estas personas comparten, es el de poder comunicarse entre sí, a nivel físico y mental, aun cuando se encuentran a miles de kilómetros de distancia el uno del otro; y luego están las habilidades y destrezas que cada uno tiene. Y que usan para salvarse a sí mismos y entre ellos. ¡Eso sí que es trabajo en equipo!

Y, en fin, sólo por ociosidad y curiosidad, hice este test que me dice qué personaje de Sense8 soy: ¡y soy Sun! Definitivamente me gustaría pelear como lo hace ella. 😀 Aunque definitivamente no me hubiera molestado ser como cualquiera de las otras chicas… creo que, tema género aparte, me identifico más con ellas; ellos me caen muy bien, claro, pero si de identidad se trata, es con cualquiera de los personajes femeninos que me quedo, si lo pienso.

¡No se la pierdan, es un must, totalmente!

Mis recomendaciones según Netflix: 5 series

Todos los usuarios de Netflix sabrán que hay una sección, la que aparece primero, que dice “Continúa viendo contenido de (nombre)”, que agrupa lo que hemos visto últimamente. En total aparece una veintena de visualizaciones, pero escogí diez: cinco series y cinco películas. De las mejor calificadas por los usuarios, por cierto. A ver si alguna, que no hayan visto, les interesa. El orden es tal y como aparece en mi cuenta: empiezo por la que vi más recientemente.

Esta nota está dedicada sólo a las series.

 

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1. Penny Dreadful. Esta serie me llamó la atención por su premisa: la reunión de un manojo de célebres personajes literarios. Entre ellos, los principales de Drácula, Victor Frankenstein y su criatura, Dorian Grey, Jack the Ripper… Y no, no se trata de ponerlos al “ahí se va” así como así: hay una buena trama y, además, las actuaciones son impecables. Sobre todo, la de la protagonista, Eva Green, que se luce en su papel de la vidente Vanessa Ives.

Temporadas: 2. En Netflix está: sólo la primera. Voy en: episodio 4, T1. Puntuación de los usuarios: cinco estrellitas menos un piquito. 

 

2. Orange is the new black. Bueno. Qué decir de ésta. Me eché la tercera y última temporada en dos semanas, creo. O tres, a lo mucho. Me atrapó apenas el año pasado, cuando ya llevaba dos temporadas y no me llevó mucho tiempo ponerme al corriente. Casi después de 365 días, he vuelto a las andadas con las chicas de Litchfield. Por cierto, justo antes del estreno de la más reciente temporada, el mes pasado publicamos esto.

Temporadas: 3. En Netflix están: las tres completitas. Voy en: todas terminadas. Puntuación de los usuarios: cinco estrellitas.

 

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3. Vikings. No recuerdo cómo empecé a verla… Mmmh, quizá fue ocio. No sabía qué ver y de pronto me la topé por ahí y me acordé que algún conocido la había recomendado. Ah, sí, y también recién había visto Cómo entrenar a tu dragón y me había quedado picada con los nórdicos. Entonces decidí darle una oportunidad. Empieza lenta, pero va agarrando ritmo con el paso de los episodios, además de que hay un importante deleite visual. No soy superfan de la cultura y mitología nórdicas, pero al ver esta serie medio empecé a interesarme un poco más.

Temporadas: 3. En Netflix están: 2. Voy en: terminé la primera. Puntuación de los usuarios: cinco estrellitas.

 

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4. Being Human. Ay. Ésta es un gusto superparticular y le guardo una estima especial por razones personales. Digo “superparticular” porque no creo que sea demasiado popular, además de que ya es viejita (bueno, por lo menos su último episodio se transmitió hace dos años, y el primero, hace seis), pero yo la descubrí apenas éste, por supuesto. Es otra de vampiros. Bueno, y de seres sobrenaturales en general. Digamos que va por la misma línea de Penny Dreadful, pero en otra dirección también, porque es una tragicomedia. La premisa es: un vampiro, un hombre lobo y una fantasma comparten piso. Parece inicio de chiste, pero no lo es. Así lo dejo, a ver si les pica la curiosidad.

Temporadas: 5. En Netflix están: todas. Voy en: terminé toditas. Puntuación de los usuarios: cuatro estrellitas.

 

5. The Returned. Es, me parece, la más reciente. Apenas salió este año y es una producción de Netflix. Está basada en la francesa Les Revenants, cuya primera temporada fue todo un éxito (y también vi, por cierto), pero se están tardando mucho para sacar la segunda (¡ya pasó más de un año!). Por lo pronto ésta cumple con su propósito de suspense y un poquito de terror zombi: se supone que en un pequeño pueblo, gente que se suponía muerta, empieza a regresar a su vida de siempre, sin parecer enterarse de que el tiempo ha pasado y de que ellos, como todos lo demás saben, están muertos. Por supuesto, todo esto para sorpresa de los vivos.

Temporadas: 1. En Netflix está completa. Voy en: terminé todos los capítulos. Puntuación de los usuarios: cuatro estrellitas y media.

 

¿Cómo ven? ¿Las han visto? Si no, ¿alguna llamó su atención? Espero que sí.

La próxima nota estará dedicada a las películas.